Künstler aus Lateinamerika

Höhepunkte

Roberto Matta. Die Erde ist ein Mann (Ausschnitt), 1942. Geschenk von Herrn und Frau Joseph Randall Shapiro (nach ihrem Tod von ihrem Ehemann dem Andenken an Jory Shapiro gewidmet). © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

Lateinamerika erstreckt sich über zwei Kontinente und umfasst eine Vielzahl von Kulturen, während seine Künste Jahrtausende umfassen und eine Welt künstlerischer Stile repräsentieren.

Entdecken Sie eine kleine Auswahl der vielfältigen Werkein der Sammlung des Museums von Künstlern, die in Süd- und Mittelamerika, Mexiko und der Karibik geboren und gearbeitet haben, darunter mehrere Künstler, die entweder in den Vereinigten Staaten studiert haben oder diese zu ihrer Wahlheimat gemacht haben.

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Dieses Werk interpretiert die berühmte lebensgroße Skulpturengruppe des Christus von Esquipulas neu, die 1595 für einen Altar in Guatemala begonnen wurde und noch immer jährlich von Millionen von Gläubigen verehrt wird. Obwohl unbekannt ist, wer das Werk geschaffen hat, weist der Stil der Schnitzerei und Polychromie darauf hin, dass es sich um die guatemaltekische Schule handelt, die eines der wichtigsten Zentren für die Skulpturenproduktion im Lateinamerika des 18. Jahrhunderts war. Diese Szene der Kreuzigung zeigt realistische blutige Wunden und sorgfältig gemalte, qualvolle Gesichtsausdrücke, die das Leiden der Figuren zum Leben erwecken. Darüber hinaus sind die Augen der Trauernden aus hinterlackiertem Glas, was ihnen einen lebensechten Glanz verleiht. Die vergoldete Verzierung der Kostüme basiert auf der sogenannten Estofado-Technik, bei der Goldstickereien imitiert werden. Diese kleine Gruppe war wahrscheinlich für den Einsatz in einem privaten Umfeld gedacht, beispielsweise in einem Haus, einem Kloster oder einem Kloster.

Zu sehen in Galerie 212

Der peruanische Künstler Kukuli Velarde (geb. 1962) schafft Keramikarbeiten, die sowohl indigene Kulturen feiern als auch die Folgen der Kolonialisierung durch Spanien thematisieren. In dieser niedrig gebrannten Tonskulptur verwandelt sie die berühmte christliche Statue der Jungfrau der Unbefleckten Empfängnis in der Kathedrale von Cusco, La Linda genannt, in eine alte Nasca-Göttin. Gekrönt von einem silbernen Sternenkranz und geschmückt mit Ikonographie antiker Nasca-Keramik schafft La Linda Nasca einen Bogen von präkolumbianischen Traditionen bis zur postkolonialen Gegenwart zeitgenössischer lateinamerikanischer Kunst. Auf diese Weise erforscht Velarde die doppelte Identität, die viele moderne Andenbewohner annehmen könnten.

Zu sehen in Galerie 136

Dieses Maya-Gefäß aus der Spätklassik wurde von Ah Maxam hergestellt, einem Mitglied der königlichen Linie des Königreichs Naranjo in der Region Petén in Guatemala, der Mitte bis Ende des 8. Jahrhunderts künstlerisch aktiv war. Das Gefäß zeigt auf drei fast identischen Tafeln einen Maya-Herrscher, der als Maisgott gekleidet ist, einer für die alten Maya wichtigen Gottheit, die mit dem Kreislauf von Tod und Auferstehung verbunden war. Der Herrscher/Maisgott trägt leuchtende Federn, Wappentiere und entsprechende Embleme auf dem Rücken und tanzt mit einer Person, die mit Zwergwuchs geboren wurde. Bei den Maya galten kleine Menschen als besondere Wesen mit starken spirituellen Verbindungen zur Erde und der Innenwelt darunter. Diese Szene fängt einen Übergangsritus ein, bei dem die Seele des Verstorbenen in das Reich der Toten begleitet wird, von wo aus sie schließlich in der königlichen Linie wiedergeboren wird, so wie Mais im Kreislauf der Erneuerung der Natur wieder sprießt.

Zu sehen in Galerie 136

Rebeca Gualinga, eine Canelos-Quichua-Künstlerin aus Puyo, Ecuador, schuf dieses Vorratsglas 1986 als Protesterklärung. Einige Jahre zuvor übernahmen die Ureinwohner in Puyo, darunter Gualingas drei Söhne, einen alten Inka-Gruß: „ama llulla, ama shua, ama quilla“, was so viel bedeutet wie „Lüge nicht, stehle nicht, sei nicht faul“. „, um gegen staatlich geförderte Ölkonzerne zu protestieren, die den Regenwald dort, wo sie leben, ausbohren wollen. Die drei Gesichter mit großen Augen auf diesem traditionell gefertigten Glas symbolisieren diese drei Gebote, die in der Moderne als Mantra für indigene Völker, die ihr Land und ihre Kultur schützen, wiederbelebt werden.

Derzeit nicht zu sehen

Die kolumbianische Weberin und Faserkünstlerin Olga de Amaral (geb. 1932) absolvierte zunächst eine Ausbildung als Architektin, ein Hintergrund, der sich in Faserarbeiten wie Alquimia III widerspiegelt. Das in Leinen und Baumwolle eingewebte Blattgold erinnert nicht nur an die Bedeutung des Goldes in der präkolumbianischen Gesellschaft, in der das Metall ein Medium zur Verbindung mit dem Übernatürlichen war, sondern es erinnert auch an die vergoldeten Barockkirchen und glitzernden Mosaike der spanischen Kolonialzeit. De Amarals Wandteppiche sind tatsächlich architektonische Elemente, die den Raum wie schimmernde Paravents unterteilen können und sich verändern, wenn wir um sie herumgehen. Während eines Vortrags im Metropolitan Museum of Art im Jahr 2003 sagte Amaral: „Während ich diese Oberflächen baue, schaffe ich Räume der Meditation, Kontemplation und Reflexion….“ Wandteppiche, Fasern, Stränge, Einheiten, Schnüre, alles sind transparente Schichten mit ihrer eigenen Bedeutung, die sich gegenseitig offenbaren und verbergen, um eine Präsenz zu schaffen, einen Ton, der über die Textur der Zeit spricht.“

Derzeit nicht zu sehen – das Werk wird im Rahmen einer Ausstellungseröffnung im Februar 2024 in unseren Galerien gezeigt.

Zusammen mit Diego Rivera und David Alfaro Siqueiros war José Clemente Orozco einer der Anführer der mexikanischen Wandgemäldebewegung, die nach der Revolution entstand. Orozco wurde 1883 in Jalisco, Mexiko, geboren und studierte Agrartechnik, bevor er Künstler wurde, wobei er sich vom Illustrator José Guadalupe Posada inspirieren ließ. In seinem Gemälde von Emiliano Zapata, einem der Revolutionäre, der eine Armee von Bauern und Enteigneten gegen die Bundesarmee anführte, erzeugt Orozco ein Gefühl der Vorahnung und Zweideutigkeit. Er platziert den verehrten Rebellen im Hintergrund, eingerahmt in einer Tür hinter zwei bewaffneten Soldaten und zwei Gestalten, die zu trauern scheinen. Die von beiden Seiten der Revolution verübte Gewalt und Zerstörung hatte Orozco beunruhigt. In dieser klaustrophobischen Szene, die sich den Traditionen heroischer Porträtmalerei widersetzt, gibt es kein Gefühl des Sieges, sondern ein Gefühl der Kosten des Krieges.

Zu sehen in Galerie 263

Diego Rivera (1886–1957) ist einer der berühmtesten mexikanischen Künstler der Kunstgeschichte. Als Wandmaler, Maler und Bildhauer versuchte er, eine nationale visuelle Identität aufzubauen, oft durch Darstellungen alter mesoamerikanischer Kulturen sowie moderner indigener Völker. Dieses Gemälde zeigt die Nahua-Webermeisterin Luz Jiménez bei der Arbeit an einem traditionellen Webstuhl mit Rückengurt, einer uralten Technik, die sie von ihrer Mutter gelernt hatte. Jiménez war mehr als ein Model – sie war Kulturhistorikerin. Als sie für Rivera saß, brachte sie ihm etwas über die Geschichte und Sprache des Volkes der Nahuatl bei. Indem sie Jiménez in den Mittelpunkt des Webens stellt, nimmt Rivera ihre indigenen Traditionen auf und zelebriert sie.

Derzeit nicht zu sehen – das Gemälde kehrt am 19. September 2023 in die Galerie 263 zurück.

Seit den frühen 1990er Jahren beeinflusst die digitale Architektur die Ästhetik, inspiriert zur formalen Erkundung und definiert die Art und Weise, wie Strukturen hergestellt werden, neu. Der in Argentinien geborene Architekt Hernán Díaz Alonso, Leiter des in Los Angeles ansässigen Büros HDA-X (ehemals Xefirotarch), hat sich zu einer bedeutenden Persönlichkeit entwickelt; Die grotesken, tierähnlichen Formen seines Studios veranschaulichen, wie weit sich die digitale Praxis entwickelt hat. Hier ist das Modell für Sur zu sehen, eine preisgekrönte Installation, die sich wie ein fantastisches, surreales Skelett im Innenhof des MoMA PS1 ausbreitet. Der eigentliche Pavillon besteht aus einer Acryloberfläche, die aus Nylonverbundstoff gedruckte 3D-Formen trägt, und besteht aus gebogenen Aluminiumrohren, die mit einer reflektierenden Stoffummantelung sowie in Ferrari-Rot lackierten Glasfaserbänken und -plattformen verkleidet sind. „Mit dem Flair eines Zirkus und der Atmosphäre eines Spielplatzes“, sagte er, „funktioniert Sur wie ein Spiel: Es gibt keine Erzählung, nur aktive Regeln und aufkommendes Verhalten.“

Derzeit nicht zu sehen

Roberto Matta (1911–2002), geboren in Chile, wo er Architektur studierte, zog 1933 nach Frankreich, wo er schließlich auf die Ideen von André Breton und den Surrealisten stieß und darauf reagierte. In Spanien freundete er sich mit dem spanischen Dichter und Dramatiker Federico García Lorca an, dessen Ermordung 1936 durch Agenten des Diktators Francisco Franco Matta dazu inspirierte, seine Wut und Trauer in ein Drehbuch zu fassen. Dieser emotionale und apokalyptische Text mit dem Titel „Die Erde ist ein Mann“ wurde in den nächsten fünf Jahren zum Hauptantriebsfaktor seiner visuellen Kunst und gipfelte in einem gleichnamigen Gemälde. Matta wollte in seinen Gemälden verschiedene Bewusstseinszustände visuell darstellen und nannte die oft turbulenten Formen „Inscapes“ oder „Psychologische Morphologien“. Mattas Gemälde wurden 1942 in New York City ausgestellt, wohin der Künstler zu Beginn des Zweiten Weltkriegs ausgewandert war. Seine Gemälde hatten großen Einfluss auf die amerikanischen Abstrakten Expressionisten, darunter Jackson Pollock und Robert Motherwell.

Zu sehen in Galerie 398

Teresa Burga (1935–2021) gehörte zu einer Gruppe peruanischer Künstler, die dafür verantwortlich waren, neu zu überdenken, was moderne Kunst in ihrem Land sein könnte. Von Anfang an konzentrierte sie sich auf den weiblichen Körper und erforschte die Darstellungen und Erwartungen von Frauen in der peruanischen Gesellschaft. Bei diesem Werk aus Burgas Pop-beeinflusster Periode handelt es sich um ein collagiertes und bemaltes Relief einer faulen Frau im „modernen“ Stil der 1960er Jahre – eines der beiden einzigen erhaltenen Figurenreliefs von Burga. Sin Título gehört auch zu den letzten Werken, die Burga schuf, bevor er 1968 in die Vereinigten Staaten reiste, um als Fulbright Fellow an der School of the Art Institute of Chicago zu studieren, was für den Künstler eine transformative Studienzeit bedeutete. Nach ihrer Rückkehr nach Lima wurde ihre Arbeit konzeptueller und konzentrierte sich auf die Aufzeichnung von Spuren ihres eigenen physischen Körpers und nicht auf den Körper der Populärkultur.

Zu sehen in Galerie 297

Die brasilianische Künstlerin Lygia Clark begann ihre Karriere in den 1950er Jahren als Malerin, die sich der abstrakten geometrischen Kunst verschrieben hatte. Sie schuf farbenfrohe Werke, die Bildflächen wie architektonische Räume behandelten. Nachdem sie nach Paris gezogen war, um Malerei zu studieren, insbesondere bei Fernand Léger, der eine Generation zuvor die brasilianische Malerin Tarsila do Amaral beeinflusst hatte, vereinfachte sie sowohl ihre Palette als auch begann, das visuelle Feld der Malerei über den Rand der Leinwand hinaus in die Welt des Betrachters auszudehnen . Unidade Nr. 1 ist ein perfektes Beispiel. Das mit schwarzer Industriefarbe überzogene und weiß umrandete Holzquadrat bleibt ungerahmt und hängt an einer speziellen Halterung, die es leicht von der Wand abragen lässt. Durch die subtilen optischen und räumlichen Effekte entsteht ein Werk, das sowohl malerische als auch skulpturale Reliefeigenschaften besitzt.

Zu sehen in Galerie 297